Focos sobre: Long Day’s Journey Into Night, That Summer y una (supuesta) estética queer

viernes, 18 de mayo de 2018 
Imagen de Focos sobre: Long Day’s Journey Into Night, That Summer y una (supuesta) estética queer
Una selección semanal de noticias, reseñas, entrevistas y otro material relevante para entusiastas del cine.
Por Luciana Gallegos | [email protected]
Foto: Mubi
Para leer

- “Las inspiraciones de Bi Gan abarcan un inmenso rango: el título en inglés proviene de Eugene O’Neill, el original en chino (Últimos atardeceres en la tierra) de Bolaño; las pinturas de Chagall y las novelas de Modiano son referentes reconocidos; un tembloroso vaso de agua traza una línea hacia Stalker, de Tarkovski. Pero Long Day’s Journey Into Night es menos una mezcla de robos que una fusión osada [...] Suspendido entre lo transitorio y lo eterno, la visión de Bi Gan cumple con la exhortación de Lynch de una película con 'espacio para soñar'. El mundo gira”. Como parte de su correspondencia con Daniel Kasman, en la cual comparten sus apreciaciones durante Cannes, Lawrence Garcia expone su entusiasmo por Long Day’s Journey Into Night, el segundo largometraje de Bi Gan. Además, discute otras películas presentadas recientemente en el festival, como BlacKkKlansman, de Spike Lee, y Asako I & II, de Ryusuke Hamaguchi [Lawrence Garcia, Mubi].

- “Los efectos foley son ‘básicamente el elemento humano de la banda sonora’. Estos son sonidos relacionados muy estrechamente con una actuación específica como para ser encontrados en una librería de efectos de sonido: pasos, sonidos de comida, un objeto siendo levantado. O, en el contexto de las escenas sexuales: besar, tocar, el sonido de la cabecera de una cama chocando contra la pared”. Rebecca Pahle entrevistó a algunos artistas foley para averiguar cuáles son sus materiales y estrategias predilectos a la hora de recrear “sonidos sexuales”. La verosimilitud suele no ser tan importante como el deseo de transmitir una sensación particular durante las escenas: “Nos han solicitado que creemos efectos foley para escenas de sexo oral—afirma una artista foley—. Pero nunca los utilizan. ¡No lo hacen! Porque no es un sonido sexy” [Rebecca Pahle, Vulture].

- “Si bien estas películas varían en cuanto a intención, procedencia y calidad, encapsulan un espíritu católico similar: en lugar de afirmar las diferencias, señalan las semejanzas [...] Son prudentes, usualmente aburridas, y sentimentales, siguiendo rutas emotivas parecidas para contar una ‘historia universal’. En resumen, estamos en un momento fílmico definido por la sensibilidad política del movimiento por el matrimonio igualitario”. E. Alex Jung evalúa de forma negativa muchas de las películas con contenido LGBTQ+ producidas recientemente, las cuales considera temática y estéticamente conservadoras. En ese sentido, las compara con ejemplos del New Queer Cinema (NQC), el cual caracteriza con admiración y nostalgia. Las obras de ese movimiento cinematográfico, dice, “eran atrevidas, eróticas, peligrosas y depravadas—radicales tanto en contenido como en forma. En lugar de huir de la acusación de que las personas queer eran desviadas, degeneradas y criminales, las películas del NQC la recibían con los brazos abiertos”. De acuerdo con Jung: “necesitamos un cine queer que piense más allá de los límites del tribalismo comercial, la belleza y la riqueza, que se dirija hacia nuevos futuros imaginados. Necesitamos un cine queer que contraataque” [E. Alex Jung, Vulture].

deleFOCO Comunidad AudiovidualPoison (1991), de Todd Haynes, es una de las obras asociadas con el New Queer Cinema.

- Geoff Andrew reseña Lazzaro felice, de Alice Rohrwacher: “En otras palabras, en medio del largometraje de Rohrwacher se encuentra un milagro inexplicable”. A pesar de ciertas reservas, Andrew considera atrevido e interesante cómo Rohrwacher logra introducir “elementos místicos” dentro de “una rigurosa estética realista”. Además, aprecia la manera en la que la directora, “alejada del sentimentalismo, nos recuerda gentilmente que los trabajadores simplemente han sido trasladados a otra forma de esclavitud, aligera el ambiente con bienvenidos arranques de humor [...] y crea también muchos momentos de magia cinematográfica” [Geoff Andrew, Sight & Sound].

- “De los aproximadamente 500 hombres que sobrevivieron los campos [de reeducación por medio de trabajo forzado], cerca de 120 fueron entrevistados por Wang Bing, como parte del proceso de doce años que representó su más reciente documental épico, Dead Souls. Poco menos de 20 sobrevivientes aparecen en el largometraje. Casi siempre, ellos están filmados en sus casas, lo cual evoca el espacio, a puertas cerradas, donde se ha posicionado esta historia”. Wang Bing retoma sus inquietudes por la persecución de personas “derechistas” (término impreciso, aplicado a conveniencia estatal) que se ha llevado a cabo en China. A partir de las aproximadamente 600 horas grabadas, el director produjo un documental de ocho horas (presentado en Cannes, con una pausa a las cuatro horas) [Annabel Brady-Brown, Mubi].

- Manohla Dargis habla con Spike Lee sobre su más reciente joint, BlacKkKlansman, película que, de acuerdo con ella, “cuenta con una genial, extraña historia que nos mantiene en suspenso—uno busca dónde apoyarse mientras ella se mueve entre comedia y horror—pero también posee momentos de gracia serena”. Ambos discuten la importancia de contextualizar socialmente ciertas obras cinematográficas. Al respecto, Dargis afirma que el cine es un punto de referencia crítico e intelectual en BlacKkKlansman. Intencionadamente, la película comienza con una escena legendaria de Gone With the Wind (1939), en la cual Scarlett O’Hara, aturdida, camina cerca de una multitud de soldados heridos y moribundos mientras la cámara sube, sube, hasta que finalmente se detiene en una desgarrada bandera de la Confederación, aún ondeando. El señor Lee también incorpora imágenes de The Birth of a Nation (1915), de D. W. Griffith, la cual vio cuando era estudiante en la Universidad de Nueva York [Manohla Dargis, The New York Times].

deleFOCO Comunidad AudiovidualLittle Edie Beale y Lee Radziwill, en That Summer (Göran Hugo Olsson, 2017).

Para esperar

- Diego Lerer escribe sobre Cómprame un revólver (2018), el más reciente largometraje de Julio Hernández Cordón—director de Gasolina (2008), Te Prometo Anarquía (2015), Atrás Hay Relámpagos (2017), entre otros—, presentado recientemente durante la Quincena de Realizadores. Lerer, luego de una reseña mayormente positiva, concluye: “Esa apuesta de caminar entre dos mundos (la reflexión cinematográfica que apuesta a la fantasía casi bizarra junto a algunas escenas más propias del narcomiserabilismo) no es nada sencilla y por momentos Hernández Cordón sale muy bien parado, especialmente cuando se apega al punto de vista más estricto de la niña que encuentra cómo divertirse en medio del infierno y el caos. En otros, sin embargo, esa distancia creada por el marco de ciencia ficción no resiste demasiado y la crueldad no es otra cosa que eso” [Diego Lerer, Micropsia].

- “Las precuelas no son muy comunes en el cine documental—suelen ser más una estrategia de explotación corporativa de marcas para satisfacer a fanáticos. Pero luego de más de cuarenta años, tres documentales largos, producciones de televisión y teatro, y varias obras relacionadas no autorizadas, las difuntas pero de alguna forma eternas Big Edie y Little Edie Bouvier Beale de East Hampton, Long Island, son el centro de lo que se ha convertido en una franquicia de no ficción”. Eric Hynes escribe—de forma extática, cuando se trata de sus dos protagonistas principales—sobre The Summer, dirigido por Göran Hugo Olsson, con base en grabaciones de 1972 para un largometraje que nunca se concretó, a cargo de Lee Radziwill (hermana de Jacqueline Kennedy Onassis) acompañada por Peter Beard. En esas grabaciones presentadas por Olsson, aparecen otros dos miembros clave del equipo técnico de Radziwill: Albert y David Maysles, cuya relación con las Beale produjo, entre otras cosas, el citado e icónico documental Grey Gardens (1975) [Eric Hynes, 4Columns].

La sección Focos sobre está inspirada en Rushes, de Mubi, y Sentences, de Vox.
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