Focos sobre: Cocote, 12 jours y la edición de Angela Schanelec

viernes, 06 de abril de 2018 
Imagen de Focos sobre: Cocote, 12 jours y la edición de Angela Schanelec
Una selección semanal de noticias, reseñas, entrevistas y otro material relevante para entusiastas del cine.
Por Luciana Gallegos | [email protected]
Para leer

- “Lo que hace que Cocote sea tan única no es solamente su representación de comunidades usualmente olvidadas de República Dominicana, sino también su uso del lenguaje cinematográfico. Empleando hábilmente una variedad de formatos—de celuloide a digital, de blanco y negro a color, de alta a baja definición, de estilo verité a tomas cuidadosamente iluminadas—, el resultado es un surtido de gustos, texturas y notas intensamente diferentes, que se combinan dentro de un entramado cuidadosamente construido”. El director dominicano Nelson Carlo de los Santos Arias es entrevistado sobre su más reciente largometraje. Entre otras reflexiones, él señala la importancia de editar sus propias películas, los aspectos ideológicos detrás de decisiones formales, la centralidad del sonido en su trabajo, y el estado del cine en su país: “Estas personas [las de clase media alta o alta] nunca van al cine, y eso no es por mí o por Cocote. No van a ir al cine nunca, punto. Les interesa Netflix e Instagram, y no están dispuestas a discutir pensamiento crítico de la República Dominicana” [Alejandro Veciana, Mubi].

- “En 12 jours, [Raymond] Depardon regresa de nuevo a una clínica psiquiátrica, un entorno que históricamente ha sido provechoso para documentalistas, desde Let There Be Light (1946) de John Houston hasta Titicut Follies (1967) de Frederick Wiseman o ‘Til Madness Do Us Part (2013) de Wang Bing”. 12 jours muestra escenas ocurridas en Le Vinatier, un centro psiquiátrico situado en Lyon. De acuerdo con una ley aprobada en el 2013, un paciente hospitalizado en contra de su voluntad tiene derecho a una audiencia para solicitar su liberación, a más tardar doce días después de su ingreso. Además de algunas escenas de ambientación, que nos muestran el edificio y sus usuarios, atestiguamos diez audiencias, “campo, contracampo, diálogos entre paciente y magistrado. Es, esencialmente, una película de ‘talking heads’—un término utilizado a veces como un peyorativo perezoso, aunque el éxito de tal tipo de esfuerzos depende de la calidad de lo dicho y el interés de las cabezas presentadas, en este caso uniformemente elevados” [Nick Pinkerton, Reverse Shot].

deleFOCO Comunidad AudiovidualAfternoon (2007), de la directora Angela Schanelec, parte de la llamada "escuela de Berlín".

- Conversación con Melanie Schapiro (productora) y Sebastián Schjaer (editor) sobre Hermia y Helena (2016), el más reciente film de Matías Piñeiro. “También en el hecho que Matías viva en Nueva York y nosotros en Buenos Aires hace que ese ida y vuelta que aparece en la película terminase apareciendo un poco en el montaje—afirma Schjaer—que era un ping pong de armados que nos íbamos pasando mutuamente. Como: ‘Bueno, arme estos veinte minutos de la película, te los paso, los miras’” [Revista Film].

- Michael Sicinski expone algunos apuntes sobre la edición en las películas de la directora alemana Angela Schanelec. Especialmente su uso del corte directo y su exploración de las “consecuencias epistemológicas y perceptivas de la elipsis”. Sobre el largometraje Afternoon (2007), afirma: “Una vez más, en lugar de clarificar las relaciones para el espectador, para proveer una película ‘sobre’ dislocación y alienación, Schanelec transmite esta dislocación directamente al espectador al instilar dudas básica sobre lo que estamos viendo. ¿Quién es ese personaje? ¿Cuál es ese lugar? ¿Cómo se relaciona él con ella?” [Michael Sicinski, Mubi].

- “[...] van a enseñar a ver las películas en su material original y espero que si alguien saca un móvil en una proyección le prohíban volver a entrar en la sala al menos durante un año. Para entrar en una escuela así tienes que estar preparado para la pobreza, la humillación y el fracaso. No hay lugar para el éxito, para ser una celebridad. Esto es lo opuesto. Un compromiso religioso, como el de un monje”. Una breve pero cargada entrevista a P. Adams Sitney, historiador, profesor de cine y uno de los fundadores de Anthology Film Archives en Nueva York [Ricardo Aldarondo, El Diario Vasco].

Para esperar

En su columna Queer & Now & Then, Michael Koresky presenta una reseña mixta sobre Love, Simon (Greg Berlanti, 2018), película que describe como un “producto contemporáneo perfectamente esculpido, cuidadoso de no ofender a nadie, protagonizado por un chico blanco absolutamente adorable que debe salir del closet frente a su absolutamente adorable grupo multicultural de amigos y sus adorables, comprensivos padre y madre”. Sin que eso sea, para él, completamente negativo [Michael Koresky, Film Comment].

Para ver

“The Sound We See utiliza técnicas cinematográficas y el género de “sinfonía de la ciudad” practicados en la década de 1920 por Walter Ruttmann y Dziga Vertov como puntos de entrada para explorar procesos creativos comunitarios y ambientes contemporáneos”. El primer proyecto de The Sound We See se llevó a cabo en Los Ángeles. El año pasado se replicó en distintos lugares, incluyendo Ciudad de México, donde participaron más de veintitrés artistas.



La sección Focos sobre está inspirada en Rushes, de Mubi, y Sentences, de Vox.
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